Belvedere

La Welt in Farben

Pittura slovena 1848−1918

In collaborazione con la Galleria Nazionale della Slovenia, il Belvedere presenta i momenti salienti della pittura slovena dall'epoca dell'emancipazione nazionale, dall'anno della rivoluzione 1848 fino alla caduta della Monarchia Austro-Ungarica nel 1918. L'esposizione mette in evidenza il carattere distintivo della pittura slovena intorno al 1900: il forte impegno con il colore. L'attenzione allo studio del suo effetto decorativo, simbolismo, potere espressivo e applicazione tecnica era, a quel tempo, riscontrabile in pochi altri luoghi nello stesso modo. Dopo Jožef Tominc, il pittore eccezionale del periodo pre-1848, personalità affascinanti come Jožef Petkovšek e Ivana Kobilca si sono distinte nella seconda metà del XIX secolo. Intorno al 1900 si formò anche il gruppo conosciuto come gli Impressionisti Sloveni attorno a Rihard Jakopič, Ivan Grohar, Matija Jama e Matej Sternen. Il loro stile influenzò l'arte slovena fino al 1918 e oltre. L'esposizione darà particolare attenzione al rapporto ambiguo degli artisti sloveni con l'Austria e la sua capitale Vienna. Molti di questi artisti studiarono o vissero per un certo periodo a Vienna, Graz o in Bassa Austria. Questa ambivalenza derivava da un senso di esclusione latente, pur essendo al tempo stesso dipendenti dai finanziamenti statali. In questo contesto, molti documenti dall'Archivio del Belvedere faranno luce in modo fresco e più sfumato sui legami culturali e politici tra Vienna e Lubiana. In collaborazione con la Galleria Nazionale della Slovenia. Curatori: Markus Fellinger (Curatore Belvedere) e Barbara Jaki (Direttore del NGS). Curatori assistenti: Michel Mohor (Curatore Senior NGS) e Miroslav Haľák (Curatore assistente Belvedere).

Hans Haacke

Retrospettiva

Hans Haacke (nato nel 1936) è una leggenda dell'arte concettuale politica, e il suo lavoro rimane straordinariamente rilevante nel mondo attuale. Come figura fondante della critica istituzionale artistica, Haacke ha ridefinito la relazione tra arte e società, influenzando profondamente generazioni di artisti. A partire dagli anni '60, Haacke ha prima esplorato sistemi biologici, fisici ed ecologici, prima di spostare la sua attenzione sulle strutture socio-politiche. Le sue opere affrontano con determinazione gli abusi di potere, meccanismi di esclusione e disuguaglianza, interruzioni storicopolitiche; gli intrecci tra istituzioni pubbliche, politica ed economia, mentre affrontano anche le tendenze anti-democratiche. L'esposizione è realizzata in collaborazione con la Schirn Kunsthalle Frankfurt. Curata da Luisa Ziaja. Curatore assistente: Katarina Lozo e Theresa Dann-Freyenschlag.

Maria Hahnenkamp

Maria Hahnenkamp (n. 1959, Eisenstadt) lavora con, attraverso, riguardo e anche contro il mezzo della fotografia e i suoi dispositivi specifici sin dalla fine degli anni '80. Come artista rappresentativa, è conosciuta per il suo lavoro artistico critico nei confronti dei media e femminista nel corso degli ultimi decenni ed è una figura definitoria nella storia dell'arte contemporanea austriaca. Nella primavera del 2025, il Belvedere 21 ospiterà la prima grande mostra personale istituzionale dedicata a Maria Hahnenkamp. I temi centrali della mostra sono il vuoto, lo spazio, la maestria artigianale e l'ornamento. Con una selezione di circa 100 opere, la mostra include fotografie, lavori su carta fotografica, proiezioni di diapositive, video, installazioni e perforazioni in situ in un contesto architettonico a cura di Walter Kräutler. La mostra è accompagnata da un catalogo bilingue (tedesco/inglese) pubblicato da Walther König e progettato da Martha Stutteregger, con contributi di Clara Bouveresse, Rainer Fuchs, Ruth Horak, Christin Müller e Stefanie Reisinger.

Gustav Klimt ‒ Pigmento e Pixel

Riscoprire l'Arte Attraverso la Tecnologia

Recenti analisi tecniche hanno fatto luce sui metodi di lavoro e sulla pratica artistica di Gustav Klimt. Sguardi sotto i strati di pittura offrono un'intuizione nel processo di creazione dei dipinti. In alcune occasioni, sono emerse delle sorprendenti divergenze tra il disegno preliminare e l'opera finale. Curato da Franz Smola. L'esposizione esplora anche come Klimt realizzò i suoi leggendari dipinti d'oro. Come applicava l'oro sulla tela? Immagini macroscopiche rivelano che Klimt usava esclusivamente foglia d'oro preziosa per le sue opere. Sarà incluso nella mostra il celebre dipinto di Klimt Giuditta, una delle prime opere dell'artista a incorporare l'oro. Infine, l'esposizione presenta una ricostruzione ipotetica dei colori dei cosiddetti Dipinti delle Facoltà di Klimt. Queste tele monumentali, che raffigurano allegorie di Filosofia, Medicina e Giurisprudenza, sono state commissionate per il soffitto del Grande Salone dell'Università di Vienna, anche se i dipinti non sono mai stati mostrati nella loro posizione prevista. Sono stati distrutti in un incendio nei giorni finali della Seconda Guerra Mondiale. Fotografie in bianco e nero erano gli unici documenti della loro apparizione. In collaborazione con Google Arts & Culture, i loro colori originali sono stati ricostruiti utilizzando l'intelligenza artificiale.

CARLONE CONTEMPORANEO: Sarah Ortmeyer

DIABOLUS (PROTECTOR)

Le sculture DIABOLUS (PROTECTOR) di Sarah Ortmeyer abitano la Carlone Hall del Belvedere, immersa in una collezione che attraversa epoche. Grezze e selvagge nella forma, ma inconfondibili come diavoli, questi unici protettori si trasformano in ombre senza tempo e universali, sfidando la genericità.

IL BLICK: Gustav Klimt

La Sposa

Nel 1917, l'ultimo anno della sua carriera, Gustav Klimt iniziò a lavorare a uno dei suoi dipinti più grandi, l'opera allegorica La Sposa. La sua morte inaspettata e prematura nel febbraio 1918 non gli permise di completare questo dipinto. Un'immagine ora iconica, realizzata dal fotografo preferito di Klimt, Moriz Nähr, mostra La Sposa insieme alla Dame con Fächer, nell'atelier del pittore nel quartiere Hietzing a Vienna. L'ultimo atelier di Klimt fa da cornice a questa esposizione, mettendo in luce gli incontri avvenuti tra l'artista e persone importanti nella sua vita.

Jonathan Monk

Il artista britannico Jonathan Monk (nato nel 1969) riproduce, manipola e riesamina frequentemente opere fondamentali della Conceptual Art e della Minimal Art. Nella sua strategia estetica, oscilla deliberatamente tra omaggio e persiflage. In questo modo, Monk si appropria della storia dell'arte e dei suoi miti, mentre scruta le regole dell'industria espositiva e il concetto estetico di originalità. Nelle sue murales, dipinti, sculture e fotografie, riflette sulla propensione dell'arte contemporanea a funzionare come un mero sistema di riferimento e demistifica l'idea dell'arte come esito di un processo creativo geniale. L'esposizione si apre con una carta da parati fotografica che Monk ha presentato nella sua galleria di Vienna nel 2022. La serie in corso mostra le passate esposizioni dell'artista in altri contesti istituzionali, fungendo da archivio visivo e da piattaforma per la presentazione delle opere attuali. Curata da Axel Köhne.

Radical!

Donne Artiste e Modernismo 1910–1950

La mostra Radical! crea un dialogo tra oltre sessanta artiste provenienti da oltre venti paesi, aprendo nuove prospettive sulla diversità e sugli aspetti innovativi del Modernismo. Indipendentemente da provenienza e stile, queste artiste erano unite nella ricerca di nuovi linguaggi visivi e forme di rappresentazione per catturare il mondo moderno. Le opere delle artiste documentano in modo convincente il loro contributo fondamentale a una società in cambiamento e le loro reazioni appassionate alle questioni urgenti in un periodo segnato da tumulti storici e cambiamenti tecnologici. Esse hanno concepito possibili identità al di fuori dei modelli di ruolo accettati, adottando una posizione critica sugli eventi politici e ancorando gli ideali estetici del Modernismo nella vita quotidiana delle persone. Invece di continuare a inserire queste donne artiste in una storia lineare degli stili artistici, la mostra le sottrae al contesto che ha giocato un ruolo chiave nel loro scivolare nell'oscurità. Piuttosto, mette in evidenza l'individualità della loro pratica artistica, che spazia dall'astratto al figurativo, dalla critica all'attivismo. In questo modo, l'esposizione sfida la storia dell'arte dominata dagli uomini che ha marginalizzato o persino cancellato le donne artiste dal canone dell'arte moderna. Allo stesso tempo, la mostra arricchisce questa narrazione storico-artistica con un caleidoscopio di nuove prospettive.

Wotruba internazionale

Per commemorare il 50° anniversario della morte di Fritz Wotruba (1907-1975), il Belvedere 21 ospiterà una mostra completa dedicata a questo fondamentale scultore austriaco. Fino ad oggi, l'opera di Wotruba è stata esaminata principalmente in modo monografico o in relazione alla sua influenza sulle generazioni successive. Questa presentazione si concentrerà sulle attività espositive internazionali di Wotruba e sul suo network, nonché sulla scoppiettante ricezione delle sue sculture. Wotruba ha conosciuto vari artisti, tra cui Henry Moore, Alberto Giacometti, Germaine Richier e Marino Marini; con alcuni di loro ha condiviso la piattaforma di esposizioni a tema o focalizzate sulla scultura negli anni '50 e '60. Basata su una selezione delle sculture di Wotruba e di opere notevoli dei suoi contemporanei, come Louise Nevelson, Kenneth Armitage e Isamu Noguchi, queste interazioni storiche serviranno come punto di partenza per un'esplorazione di domande fondamentali legate alla scultura dopo il 1945. La mostra, quindi, offre una nuova prospettiva su Fritz Wotruba, che non solo ha svolto un ruolo cruciale nella scultura austriaca dopo il 1945, ma è stato anche una voce influente nel discorso internazionale sull'immagine umana nel Modernismo del dopo guerra.

Ashley Hans Scheirl

La vasta retrospettiva di Ashley Hans Scheirl al Belvedere 21 abbraccia gli anni '70 fino al presente e presenta opere nuove create specificatamente per questa esposizione. Dalla fine degli anni '70, Ashley Hans Scheirl ha sviluppato un corpus di opere notevolmente diversificato. I loro film, molti dei quali girati con il formato Super8, hanno consolidato l'artista come un pioniere riconosciuto a livello internazionale nella controcultura queer-femminista e transgender. Scheirl considera il proprio lavoro come un'interpretazione satirica della natura sempre più surreale del sistema economico neoliberale, utilizzando un umorismo pungente per affrontare i costrutti sociali di genere, sessualità e potere.

Cézanne, Monet, Renoir

Impressionismo Francese dal Museo Langmatt

Il Belvedere presenta opere selezionate dalla collezione della Villa Langmatt, una delle prime e più estese collezioni private di impressionismo francese in Svizzera. La Villa Langmatt in stile Art Nouveau non era solo la residenza di Jenny e Sidney Brown, ma anche uno spazio dedicato alla loro passione per l'arte. I Brown iniziarono a focalizzarsi sull'arte francese intorno al 1907, acquisendo inizialmente un dipinto a olio di Paul Gauguin, un'opera di Claude Monet e diverse immagini di Paul Cézanne, prima di accumulare un gruppo più ampio di opere di quest'ultimo negli anni successivi. La coppia mostrò particolare interesse per l'artista Pierre-Auguste Renoir, collezionando una vasta selezione delle sue opere. La qualità di questa collezione è testimoniata anche da un gruppo di opere eccezionali di Camille Corot. Nel corso degli anni, i Brown costruirono sistematicamente una collezione di impressionismo francese e dei suoi precursori, rappresentativa nella sua ampiezza ma al contempo riflettente i loro gusti personali. La passione della coppia per la raccolta non era solo un interesse privato, ma può essere vista anche nel contesto dell'immagine di sé modernizzata e cambiata della borghesia industriale svizzera. Curato da Alexander Klee.

Civa – Arte Virtuale Immersiva Contemporanea

Il festival di media art Civa esplora l'interazione tra tecnologie attuali, realtà ed esperienze negli spazi digitali, fisici e ibrici. Nella sua quinta edizione, Civa offre, oltre a una mostra al Belvedere 21, numerosi formati discorsivi, proiezioni di film e performance dal vivo. Il festival di media art Civa è organizzato e sviluppato congiuntamente dal Belvedere 21 e sound:frame dal 2024.

Civa – Arte Virtuale Immersiva Contemporanea

Il festival di arte media Civa evidenzia l'interazione tra le tecnologie attuali, le realtà e le esperienze negli spazi digitali, fisici e ibridi. Ora nella sua quinta edizione, Civa offre ancora una volta un'esposizione presso Belvedere 21, insieme a numerosi formati discorsivi, proiezioni di film e performance dal vivo. Civa è stato organizzato e sviluppato congiuntamente da Belvedere 21 e sound:frame dal 2024. Curato da Eva Fischer e dal Team di Civa.

Franz Xaver Messerschmidt

Più che teste caratteriali

Al centro del lavoro di Franz Xaver Messerschmidt (1736–1783) ci sono le cosiddette "Teste Caratteriali", che ancora oggi restano un enigma nonostante la loro fama. Dal ventesimo secolo, è diventato comune interpretare il lavoro di Messerschmidt da una prospettiva psicopatologica. Tuttavia, questa è una lente ristretta attraverso cui osservare gli oggetti e ignora il fatto che lo scultore stesse rispondendo ai profondi cambiamenti sociali e scientifici del diciottesimo secolo. Il Belvedere dedica a Messerschmidt un'esposizione che lo presenta come un artista in un momento di svolta culturale e politica nella storia e come precursore del cosiddetto lungo diciannovesimo secolo. A partire dal 1769, i ritratti di Messerschmidt riflettono una nuova immagine dell'umanità, pervasa dalle idee dell'Illuminismo: la pompa e la fuga ora cedono il posto a una caratterizzazione più semplificata e adeguata del soggetto. Inoltre, le personalità ritratte—come i dottori Gerard van Swieten e Franz Anton Mesmer o il teorico dell'arte Franz von Scheyb—illuminano il mondo culturale, politico e scientifico del diciottesimo secolo. L'esposizione mira inoltre a collocare le "Teste Caratteriali" di Messerschmidt, di cui iniziò a lavorare intorno al 1770, nel contesto degli studi sulle espressioni facciali e sulla fisiognomica e a leggerle come fenomeno del loro tempo. I confronti con opere di artisti come Joseph Ducreux aiuteranno a trasmettere che la fascinazione per il volto (e le sue aberrazioni) non era affatto unica in questo periodo. Curata da Katharina Lovecky, Georg Lechner e Axel Köhne.